Explorar las vastas galerías del Museo del Louvre es como realizar un viaje intenso a través del arte más destacado de la civilización occidental. Entre las obras exhibidas se encuentran algunas de las piezas más célebres del mundo, como la Mona Lisa de Leonardo da Vinci y la Venus de Milo.
Un gran número de pinturas del museo pertenecían a los distintos reyes que vivieron en el Louvre cuando era residencia real; otras piezas fueron adquiridas a través de los tratados de Francia con el Vaticano y la República de Venecia. La colección se amplió significativamente con las adquisiciones de Napoleón I.
El museo más grande del mundo, el Museo del Louvre, reúne miles de obras de arte en un espacio de exposición de 73.000 metros cuadrados dividido en tres secciones: En un majestuoso edificio que antaño fuera residencia de los monarcas franceses, se encuentran las alas Denon, Richelieu y Sully del museo.
En cada una de las alas, se encuentran más de 70 salas dedicadas a la exposición de pinturas, artefactos y esculturas de gran tamaño. Resulta imposible recorrer la colección completa en un solo día, e incluso en una semana.
Explorar el Louvre es una actividad fundamental durante una visita a París. Sin embargo, la mayoría de los turistas necesitan alguna orientación para apreciar realmente el arte y su rico patrimonio cultural. Esta lista de verificación de 15 Aspectos destacados del Museo del Louvre incluye contexto histórico e información detallada sobre cada pieza para mejorar su experiencia.
Mona Lisa de Leonardo da Vinci (ala Denon, habitación 711)
Los estudiosos debaten qué hace que la Mona Lisa sea una de las pinturas más famosas del mundo. Una explicación es la sensación de misterio.
Aunque la identidad de la modelo no está clara, se cree que la mujer retratada es Lisa Gherardini, esposa de Francesco del Giocondo (un comerciante de seda en Florencia, Italia). Por esta razón, el nombre italiano del cuadro es La Gioconda , que se traduce como La Joconde en francés.
Otra explicación de la celebridad de la pintura es la enigmática sonrisa del sujeto, que posiblemente simboliza el ideal de felicidad. La expresión cautivadora y la mirada de reojo de esta obra tienen el poder de fascinar a quienes la observan. Los observadores notan cómo la Mona Lisa parece estar observándolos desde cualquier lugar de la habitación en que se encuentren.
Muchos visitantes vienen al Louvre sólo para ver esta pintura, sin duda la obra de arte más famosa del museo. Realizado por Leonardo da Vinci alrededor de 1503, el diminuto lienzo de la Salle des États (habitación 711) está protegido por una capa adicional de plexiglás y generalmente está rodeado de una multitud de visitantes que intentan vislumbrarlo.
Para apreciar mejor esta pintura, es una buena idea realizar un recorrido a pie por el Louvre en grupos pequeños dirigido por un guía experto. Este recorrido de tres horas permite a los participantes evitar las largas colas de entrada al museo y dirigirse directamente a las obras imperdibles, aprovechando al máximo el tiempo que pasan en el museo.
Las bodas de Caná de Veronese (ala Denon, habitación 711)
Paolo Caliari (conocido como Veronese) creó Les Noces de Cana en 1563, por encargo del monasterio benedictino de San Giorgio Maggiore en Venecia.
La pintura más grande del Museo del Louvre, este inmenso lienzo de seis metros de alto por 10 metros de ancho cubre toda una pared de la galería del Louvre desde el suelo hasta el techo. Originalmente estaba destinado a decorar el refectorio del monasterio veneciano.
Les Noces de Cana ( Las bodas de Caná ) es una composición magistral que retrata la escena bíblica de las bodas de Caná de Galilea, el acontecimiento según el apóstol Juan en el que Cristo realiza el milagro de convertir el agua en vino.
La extraordinaria disposición de más de 100 figuras logra transmitir una sensación de armonía en lugar de sentirse abarrotada. Los novios están sentados al final de la mesa del banquete, en el lado izquierdo. Cristo está en el centro rodeado de sus discípulos. Los venecianos contemporáneos se mezclan con personajes bíblicos con turbantes orientales.
La asombrosa atención del artista al detalle se ve en los detalles realistas, como el drapeado de los espléndidos trajes venecianos. La trepidante escena está llena de sorpresas: un enano sosteniendo un periquito (abajo a la izquierda), pajaritos, simpáticos perros y un divertido gato (abajo a la derecha) que parece un huésped no invitado mientras rasca con sus garras un jarra de agua.
Venus de Milo (Habitación 345, Ala Sully)
La Venus de Milo se encuentra en la Galerie des Antiques del Louvre , en la Salle de la Vénus de Milo (Sala 345), una suntuosa galería del siglo XIX revestida de mármol rojo.
Esta atractiva estatua, también conocida como Afrodita, representa el ideal griego de belleza. La escultura de la diosa, elaborada aproximadamente en el año 100 a. C., exhibe la estilización característica del final del período helenístico. La obra ha cautivado al mundo del arte desde que fue descubierta en la isla griega de Milos («Melos» en griego antiguo) en 1820 y fue presentada a Luis XVIII.
La maestría de esta escultura se evidencia en su equilibrada composición, la sensación de amplitud y la manera en que las telas caen sobre las caderas de la diosa. Desafortunadamente, las piezas de mármol que faltan dificultan la identificación y comprensión completa de la estatua.
Los historiadores del arte han tratado de imaginar cómo estaban colocados sus brazos y dónde podría haber estado parada. Algunos creen que pudo haber sostenido una manzana, una corona o un escudo. Se sugiere otra teoría que plantea que Venus sujetaba un espejo con una mano para contemplar su propio reflejo.
Victoria de Samotracia (habitación 703, ala Denon)
Una obra maestra del arte helenístico, esta monumental escultura clásica es impresionante de contemplar. Presentada en su propio espacio en lo alto de la gran Escalera Daru , la Victoire de Samotracia ( Victoria Alada ) tiene una manera de cautivar a los visitantes cuando doblan la esquina y vislumbran la estatua.
Encaramada en una postura valiente en la proa de un barco, la Diosa alada de la Victoria (Nike) conduce un barco que navega a través de embriagadoras ráfagas de viento. La Diosa alada de la Victoria, que data de aproximadamente el año 190 a.C., fue descubierta en la isla de Samotracia y se considera un tributo religioso que el pueblo de Rodas dedicó para conmemorar una victoria naval.
La figura de la Diosa está representada con tanta precisión que cuesta creer que haya sido creada 2.000 años antes de la fotografía y el modelado gráfico 3D. La disposición en forma de espiral genera una sensación de movimiento dinámico, con las alas recogidas y la pierna derecha adelantada sobre la izquierda.
Debido a los delicados detalles esculpidos, la Diosa parece estar envuelta en agua de manera sutil. A su ropa se le da el efecto realista de una tela ligera que se adhiere a sus caderas y piernas, revelando la forma del cuerpo femenino desnudo. Al mismo tiempo, una brisa hace que la túnica drapeada de la diosa se ondee, lo que aporta una sorprendente sensación de realismo.
La coronación del emperador Napoleón I, de Jacques-Louis David (ala Denon, sala 702)
Napoleón I encargó a Jacques-Louis David la creación de este majestuoso cuadro como documento de su ceremonia de coronación. Napoleón se proclamó emperador en mayo de 1804 tras un golpe de Estado tras sus victoriosas campañas militares en Italia y Egipto.
La ceremonia de coronación se llevó a cabo según el protocolo de coronación de un rey en la tradición monárquica francesa. Sin embargo, Napoleón se coronó a sí mismo frente a la congregación en lugar de ser coronado por el Papa, para hacer una declaración sobre su independencia de la Iglesia.
Jacques-Louis David asistió a la ceremonia de coronación del 2 de diciembre de 1804 en la catedral de Notre-Dame de París. De 1805 a 1808, el artista creó esta pintura impecablemente detallada y realista del evento al que asistieron 146 personas.
La pintura de la Coronación del Emperador Napoleón I, de seis metros por diez, brinda a los espectadores la sensación de estar directamente involucrados en la ceremonia debido a su gran tamaño. Al ver el cuadro, se dice que Napoleón hizo una declaración en referencia a su grandeza y realismo: «¡Se puede caminar a través de este cuadro!».
David describe la ceremonia con precisión, cumpliendo con el pedido de Napoleón de transmitir un mensaje simbólico y político, glorificando el evento para darle un lugar único en la historia.
Les Salles Rouges (Habitaciones Rojas) exponen La Coronación del Emperador Napoleón I y otras prestigiosas pinturas históricas, como Madame Récamier de Jacques-Louis David, Le Radeau de la Méduse ( La balsa de la Medusa ) de Théodore Géricault, Mademoiselle Rivière de Jean -Auguste-Dominique Ingres, La libertad guiando al pueblo y Muerte de Sardanápalo de Eugène Delacroix.
La libertad guiando al pueblo (ala Denon, sala 700)
Esta evocadora pintura ilustra uno de los acontecimientos más importantes de la historia francesa, el levantamiento parisino de julio de 1830, cuando los republicanos de Francia encabezaron una revuelta contra el gobierno de la Segunda Constitución.
Delacroix pretendía que La Liberté Guidant le Peuple ( La libertad guiando al pueblo ) resaltara los valores de la Revolución de 1789 y el ideal de la soberanía popular. La creación de esta pieza fue un acto patriótico, ya que Delacroix creía apasionadamente en la causa republicana.
La figura alegórica de la Libertad se representa como una mujer fuerte e inspiradora con el pecho desnudo (la desnudez es un lugar común en las pinturas históricas francesas), lo que sugiere un linaje de una diosa griega clásica. Como prueba de su determinación y espíritu de lucha, sostiene una bandera francesa en una mano y un arma de infantería en la otra.
La figura de la Libertad emerge victoriosa de un fondo oscuro y lleno de humo y parece estar bañada por una luz, símbolo de su iluminación moral. Delacroix aporta una interpretación romántica y profundamente emocional a la pintura y al mismo tiempo una cualidad realista.
Psique revivida por el beso de amor de Antonio Canova (ala Denon, habitación 403)
De todas las esculturas de la Galerie Michel-Ange (habitación 403), llena de luz solar , ésta es la más encantadora. Esta escultura, Psique revivida por el beso del amor (también titulada L’Amour et Psyché en francés) se inspiró en la historia mitológica de Cupido y Psique de Las Metamorfosis de Ovidio .
En esta historia, Cupido ve a Psique que se ha quedado dormida después de inhalar una poción prohibida. Cupido se acerca suavemente a Psique, a punto de besarla. Entonces Psique se despierta y abraza lánguidamente a Cupido. Este es el tierno momento capturado en esta encantadora obra maestra.
Antonio Canova creó una pieza llena de emoción, propia de la escultura neoclásica romántica. Al mismo tiempo, la escultura es tan precisa que las figuras parecen reales.
Observe la fina escultura de las alas de Cupido, el carcaj lleno de flechas y la ornamentación del ánfora. Admire la forma en que Cupido sostiene el cuello de Psyche y la curva de su cadera mientras ella gira para abrazarlo, todo ello mostrado con un perfecto sentido de proporción y movimiento.
Los detalles minuciosamente tallados en los rasgos faciales y la precisión anatómica, como el ombligo de Psyche y los delicados dedos de los pies, aportan una autenticidad palpable, generando la ilusión de que las figuras están vivas en lugar de esculpidas en mármol.
Luis XIV de Hyacinthe Rigaud (ala Sully, habitación 916)
Esta pintura emblemática del «Rey Sol» fue creada en 1701 por el retratista real francés Hyacinthe Rigaud. Originalmente, la pintura estaba destinada a ser un regalo para Felipe V de España, sin embargo, a la corte francesa le gustó tanto que la pintura nunca fue enviada al rey español.
El retrato, elaborado con meticulosidad, presenta a Luis XIV como el máximo símbolo del poder absoluto, mostrando un exquisito nivel de detalle. El opulento fondo y las impresionantes túnicas de coronación del Rey simbolizan su grandeza. Luis XIV tenía 63 años cuando se pintó este retrato.
Observe la riqueza de la túnica del rey, que está bordada con flores de lis (flores de lirio), el símbolo real. Al fondo, una corona descansa junto al rey sobre un taburete. Esta pintura fue diseñada para recordar al espectador la autoridad de Luis XIV.
La Dentellière de Jan Vermeer (ala Richelieu, sala 837)
Renoir consideraba que el cuadro La encajera de Jan Vermeer era uno de los cuadros más bellos del mundo. La Dentellière fue creada por Vermeer alrededor de 1669 o 1670.
El motivo del encaje se utilizó a menudo en las pinturas holandesas del siglo XVII para simbolizar las virtudes femeninas tradicionales. Al frente de la pintura hay un pequeño libro que probablemente sea una Biblia, lo que le da a la pieza otra capa de sugerencia moral y religiosa.
A Vermeer le encantaba pintar escenas de la vida cotidiana y tenía habilidad para representar objetos familiares de una manera atractiva. La joven (muy probablemente la esposa de Vermeer) se muestra intensamente concentrada en su minucioso trabajo de confección de encaje.
El punto focal central de la pieza se encuentra en el hilo que pasa entre los dedos de la mujer, así como en los alfileres y la bobina que la acompañan. Los objetos se vuelven más borrosos en el fondo, imitando el campo óptico natural del ojo humano.
Vincent van Gogh elogió esta pintura por su armoniosa combinación de colores, que se ve en los vibrantes cojines de costura y los hilos multicolores.
Caballeros de Marly (Ala Richelieu, Cour Marly)
Los Chevaux de Marly (Caballos de Marly) fueron encargados por el rey Luis XIV para el estanque de caballos del castillo de Marly. Creada entre 1739 y 1745, esta monumental escultura de mármol de Carrara es una imagen enorme de dos caballos sujetos por mozos de cuadra.
El escultor Guillame Coustou probablemente se inspiró en las antiguas estatuas romanas encontradas frente al Palacio del Quirinal en Roma, que muestran a los semidioses Castor y Pólux esforzándose por domar a sus caballos. En alusión a esta referencia clásica, los Caballos de Marly simbolizan la lucha entre el hombre y la naturaleza (representada por un caballo indomable).
La Coronación de la Virgen (Sala 708, Ala Denon)
Exhibida en el encantador Salón Carré del Louvre (Sala 708), la Coronación de la Virgen es una de las obras maestras de la pintura medieval del Louvre. Guido di Pietro, conocido como Fra Angelico, creó esta obra entre 1430 y 1432 y originalmente se utilizó como retablo para el convento de San Domenico en Fiesole en las afueras de Florencia.
El tema de la Coronación de la Virgen fue muy comúnmente representado en el arte durante el siglo XIII, y este ejemplo muestra una delicadeza y brillantez artística excepcionales.
La lujosa pintura representa el momento en que la Virgen María es elevada al cielo y coronada por Cristo. Él está sentado en un trono elevado sobre una multitud de espectadores, accesible mediante escalones de mármol.
La escena está representada con increíble detalle y en tonos luminosos. Por ejemplo, Fra Angelico pintó los nueve escalones de mármol en diferentes colores. Se encuentra abundante dorado en todas partes, en el trono de Cristo, así como en los halos de los ángeles, lo que parece sugerir una corte real en el cielo.
El tramposo con el as de diamantes de Georges de La Tour (Ala Sully, Sala 912)
Creado alrededor de 1635, El truco del as de diamantes encuentra un lugar de honor entre los Peintres de la Réalité (Pintores de la realidad) franceses del siglo XVII. El estilo de realismo característico de Georges de La Tour da vida a la escena de cuatro personas reunidas alrededor de una mesa mientras juegan a las cartas.
Los intrincados detalles de la pintura y la sutil expresión de emociones aportan autenticidad, permitiendo a los espectadores sentirse como espectadores de un juego de cartas real. Como espectadores, tenemos una sensación de curiosidad y anticipación sobre lo que sucederá a continuación.
Observamos cómo el sujeto de la pintura, un joven vestido de manera extravagante y con un gorro de plumas, está a punto de ser engañado. En una composición inusual, el tema está representado en el extremo derecho (en lugar de en el centro) de la pintura, en un espacio apartado de los demás.
Mientras tanto, el otro grupo de tres personas parece compartir un secreto, como lo demuestran sus movimientos oculares hacia los lados. La mujer del escote escotado llama la atención del espectador con su mirada furtiva. Ella se comunica silenciosamente con el jugador (el tramposo) en el lado izquierdo de la pintura, quien discretamente saca una carta de as de diamantes de debajo de su cinturón, que será la carta «ganadora».
Un aspecto intrigante de esta pintura: el tramposo parece mirar al espectador, como si supiera que está siendo observado. Como espectadores, detectamos al tramposo y a sus secuaces en su acto de mala conducta. George de La Tour utiliza esta escena para contarnos un drama moral sobre los pecados de la lujuria, el alcohol y el juego.
Retrato del artista sosteniendo un cardo, de Alberto Durero (sala 101, ala Richelieu)
Una pintura sorprendente, el Portrait de l’Artiste Tenant un Chardon fue uno de los primeros autorretratos independientes de la pintura europea. Alberto Durero creó este retrato de sí mismo en 1493, cuando sólo tenía veintidós años. El pintor sujeta un cardo, simbolizando su lealtad hacia su prometida o haciendo referencia a la Pasión de Cristo.
La composición de un busto de tres cuartos de largo era típica del retrato del siglo XVI. Los espectadores pueden detectar cierta incomodidad en el retrato, porque el artista estaba trabajando a partir de su reflejo en el espejo.
Esculturas Captif de Miguel Ángel (ala Denon, sala 403)
Estas expresivas estatuas son obras maestras de Miguel Ángel y muestran su genio de habilidad técnica y profundidad emocional. El par de esculturas, L’Esclave Mourant ( El esclavo moribundo ) y L’Esclave Rebelle ( El esclavo rebelde ), se encuentra en la Galerie Michel-Ange (Sala 403), una espaciosa galería con grandes ventanales que permiten que la luz natural brille. el espacio.
Ambos se encuentran encadenados y aparecen desnudos para resaltar su vulnerabilidad, sin embargo, los dos esclavos proyectan emociones notablemente distintas. El Esclavo Moribundo parece estar inmerso en un sueño eterno, mientras que el Esclavo Rebelde exhibe una lucha violenta distorsionada. Algunos historiadores del arte han interpretado que las esculturas simbolizan el alma humana encadenada al cuerpo.
Miguel Ángel inició la creación de las estatuas en 1513 como parte de un ambicioso proyecto para erigir un monumento en honor al Papa Julio II. No obstante, debido a retrasos y eventualmente al abandono del proyecto, las estatuas quedaron inconclusas, evidenciando todavía las marcas del cincel. Esta podría ser una razón por la cual las esculturas permanecen incompletas.
Otra explicación es que Miguel Ángel sintió que había alcanzado el máximo potencial artístico a partir del bloque de mármol en bruto. De hecho, hay algo poético en la imagen de los esclavos esperando ser liberados del mármol.
Joyas de la Corona Francesa (Galerie d’Apollon)
Símbolo supremo de grandeza y soberanía, las coronas de coronación de Francia reflejaban la riqueza y el poder de los monarcas franceses, así como la gloria de los emperadores Napoleón I y Napoleón III. Las coronas estaban hechas a medida para cada rey y adornadas con joyas preciosas.
No deje de ver la Couronne de Louis XV (Corona de Luis XV), que presenta dos hileras de perlas y ocho gemas (esmeraldas, zafiros, rubíes y topacios) que se alternan con diamantes brillantes. Los arcos de la corona están adornados con flores de lis (lirios) de diamantes, un símbolo utilizado por los monarcas franceses desde el siglo XII.
Para aquellos a los que les gusta el bling, no se puede perder el «le Régent» (el diamante «Regent» ) de 140 quilates. Esta deslumbrante gema es uno de los diamantes más finos y brillantes del mundo, apreciado por su perfección.
Una pieza que perteneció a la hija mayor (y única hija sobreviviente) de Luis XVI y María Antonieta, la Diadème de la Duchesse d’Angoulême (la tiara de la duquesa de Angoulême) es una pieza deslumbrante decorada con diamantes y esmeraldas.
La majestuosa Couronne de l’Impératrice Eugénie (Corona de la emperatriz Eugénie) es un ejemplo de la lujosa joyería del Segundo Imperio. El joyero imperial Alexandre-Gabriel Lemonnier creó esta brillante corona con 2.480 diamantes engastados en forma de palmetas y flanqueada por 56 preciosas esmeraldas.
Las joyas de la corona se exhiben en la recientemente renovada Galerie d’Apollon (ala Denon, sala 705), que reabrió sus puertas en 2020. Esta galería extravagantemente adornada fue creada en el siglo XVII por Louis Le Vau, arquitecto del Castillo de Versalles , y Charles Le Brun, pintor oficial de Luis XIV. La magnífica ornamentación de la galería compite en belleza con las gemas que se exhiben en su interior. En el siglo XIX, Eugène Delacroix terminó de pintar el techo central de la galería.
Explorando el Palacio del Louvre
La Gran Entrada: Pirámide del Louvre
La puerta principal del Louvre está ubicada en el patio central de la Pirámide del Louvre. Diseñada por el arquitecto Ieoh Ming Pei e inaugurada en 1989, esta icónica pirámide de 22 metros de altura está construida con 675 paneles de vidrio, inundando el espacio interior con luz natural.
La Pirámide permite el acceso al Cour Napoléon, donde se encuentran la taquilla y el mostrador de información.
Existen accesos más directos al museo (a través del Carrusel del Louvre o desde la entrada de la Rue de Rivoli), pero la Pirámide de Cristal constituye la entrada más impresionante a la magnífica colección de arte del Louvre.
El Louvre medieval: cimientos del palacio
Los fundamentos iniciales del Louvre se localizan en la parte del Louvre medieval, a la cual se puede llegar mediante la pirámide y la escalera mecánica que conduce al ala Sully. Esta zona subterránea revela la fortaleza medieval que fue creada para el rey Felipe Augusto en 1190.
Los visitantes pueden ver los cimientos antiguos, los restos del foso medieval y las mazmorras, así como la Salle Saint-Louis (construida entre 1230 y 1240), el único vestigio que queda del edificio principal de la fortaleza medieval.
En la sección del Louvre medieval, diversas salas muestran documentos, maquetas y pinturas que narran la historia del Louvre.
Un majestuoso palacio real que refleja la grandeza de los monarcas franceses
La sombría fortaleza medieval del Louvre fue mejorada bajo Carlos V, Carlos VI y Enrique II, y transformada en un palacio real mucho más impresionante y lujoso por Luis XIII y Luis XIV. La Salle des Caryatides, una impresionante sala de recepción concebida para el monarca Enrique II.
La Chambre de Parade du Roi (Sala 25 del departamento de Antigüedades Egipcias) es el dormitorio donde Carlos IX y Enrique III saludaban a la corte todas las mañanas. La Salle des Sept-Cheminées, ubicada en la Sala 74 del departamento de Antigüedades griegas, etruscas y romanas, sirvió como el aposento real de Luis XIV hasta que trasladó su residencia al Palacio de Versalles.
Aun después de que el Louvre dejara de funcionar como residencia real, Napoleón III lo empleó para propósitos oficiales. Los visitantes también pueden ver el opulento Gran Salón y Comedores de los Appartements Napoléon III (Ala Richelieu, Habitación 544). La lujosa decoración, que ejemplifica el estilo del Segundo Imperio, presenta candelabros brillantes, molduras doradas, trabajos decorativos de estuco, cortinas de seda, muebles de terciopelo y magníficos techos ornamentados.
Otra sala imprescindible del museo es la Galerie d’Apollon. Esta magnífica sala de recepción cuenta con una impresionante pintura en su techo, la cual fue comenzada por Charles Le Brun en honor a Luis XIV, también conocido como el Rey Sol. La parte que no completó Le Brun, el impresionante panel central que representa a Apolo matando a la serpiente pitón, fue pintado por Delacroix en 1851.
Opciones de hospedaje cercanas al Museo del Louvre en París
El Museo del Louvre se encuentra en el centro de París, en el distrito 1, que es una zona conveniente para que los turistas se alojen. Te sugerimos estos hoteles de alta calidad ubicados a corta distancia del Museo del Louvre:
- Mandarin Oriental Paris: este hotel de cinco estrellas ofrece alojamiento suntuoso y comodidades excepcionales: un spa de lujo, un tranquilo jardín, un gimnasio bien equipado, varios restaurantes de alta cocina y una elegante pastelería. La ubicación en la Rue Saint-Honoré está a pocos pasos del Jardín de las Tullerías y de muchas boutiques de alta costura.
- Hôtel La Tamise – Esprit de France: a pasos de la Rue de Rivoli y del Jardín de las Tullerías, este hotel boutique de gama media ofrece habitaciones bien equipadas con camas cómodas. Las comodidades incluyen conserjería, restaurante y desayuno tipo bufé.
- Hôtel Odyssey by Elegancia: A poca distancia del Jardín del Palacio Real y a unos 10 minutos caminando del Louvre, este hotel de tres estrellas ofrece tarifas bastante accesibles. Las compactas habitaciones del hotel (ideales para viajeros solitarios) cuentan con una decoración ultramoderna y moderna.
- Hôtel Opera Maintenon: Este hotel de dos estrellas, económico y con una excelente relación calidad-precio, está situado en una calle serena dentro de un edificio histórico. Se encuentra a corta distancia a pie del Louvre, la Ópera y las Galerías Lafayette. Las comodidades incluyen recepción las 24 horas, conserjería y un desayuno tradicional francés (por un cargo adicional).
Optimizando su Experiencia en el Museo del Louvre
- Horario: El horario de apertura del Museo del Louvre es de 9:00 a.m. a 6:00 p.m. los lunes, miércoles, jueves, viernes, sábados y domingos. La última admisión es a las 17:00 horas. El Louvre está cerrado los martes.
- Visitas guiadas: para asegurarse de ver todos los aspectos más destacados del museo, pruebe el recorrido a pie sin colas: Museo del Louvre. Durante este tour de tres horas, se proporcionarán auriculares para facilitar la audición de su guía mientras explora la historia y el significado artístico de las destacadas obras del museo, que van desde sus pinturas invaluables hasta las joyas de la corona.
- Entradas: La entrada principal y la taquilla se encuentran en la Pyramid du Louvre, pero esta también tiene las colas más largas. Las entradas al Carrusel del Louvre desde la estación de metro o la Porte des Lions evitan las largas colas. Puedes comprar las entradas con antelación, pero deberás recogerlas personalmente en la entrada de la Pirámide de Cristal (esto no te permite saltarte las colas).
- Pase para los Museos de París: El Pase para los Museos de París permite la entrada gratuita e ilimitada al Museo del Louvre, así como a más de 50 museos y monumentos más. Los turistas tienen la opción de seleccionar un pase de 2 días o uno de pase de 4 días, según la extensión de su estadía en París.
- Recursos: El sitio web del Louvre también tiene una sección dedicada a información práctica sobre los horarios de entrada al museo, cierres de salas y servicios.
- Comida y bebida: El Louvre tiene más de una docena de opciones (cafés, restaurantes y bares) para los visitantes que buscan un refrigerio. El Café Richelieu ofrece a los huéspedes un menú refinado y un exquisito chocolate caliente servido por el legendario salón de té Angelina. Se ofrecen refrigerios gourmet en Paul, una panadería tradicional francesa en el Carrousel Garden. Ubicado entre los arcos del Louvre, el Café Marly es un restaurante exclusivo que ofrece alta gastronomía.
- Cómo llegar al Louvre: Puede acceder a la parada de metro en la estación Palais-Royal-Musée du Louvre, o tomar los autobuses números 21, 24, 27, 39, 48, 68, 69, 72, 81 y 95 que tienen parada justo en frente de la Pirámide del Louvre. El aparcamiento más conveniente es el garaje subterráneo de la Avenue du Général Lemonnier, abierto todos los días de 7:00 a 23:00 horas.
Dirección: Rue de Rivoli, 75001 París
Mapa de Aspectos destacados del Museo del Louvre
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